알렉산드르 아레체아 Alexandre Arrechea

The Garden of Mistrust, Final 3D Model
2004
3D single channel video
Courtesy of Alonso Art, Miami

<The Garden of Mistrust, Final 3D Model>(2004)은 하얀색 에나멜로 칠해진 금속 나뭇가지 끝에 달린 22개의 빨간 불빛이 들어오는 감시 카메라들의 움직임을 표현한 디지털 화면을 스크린으로 투사한다. 나무 줄기에 달린 카메라들은 빨간 불빛을 깜빡이면서 회전한다. 작가는 원래 공공장 소에서 우리를 보호하기 위해 만들어졌지만 오히려 사적인 삶을 침입하는 무제한적 권력의 도구가 되어버린 감시 카메라를 예술의 영역으로 끌어들였다. 마치 조지 오웰(George Orwell)의 소설 『1984』에 등장하는, 사적인 삶을 감시하고 통제하는 방식으로 권력을 존속시키는 현대 사회상을 단적으로 보여준다.

Alexandre Arrechea’s work The Garden of Mistrust, Final 3D Model(2004), is composed of an aluminum tree painted with white enamel with 22 surveillance cameras attached to the tips of its branches. The attached cameras are panning with red lights blinking in the screen. Surveillance cameras were invented for public places for our protection; however, it has become a powerful and unrestricted tool that invades our personal lives. Through their use, the artist reveals the state of surveillance and control that our current society has been placed in. This reminds us of situation in George Orwell’s 1984, where people are constantly watched and controlled by those in power.

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이불 Lee Bul

Maquette for Mon grand récit: Because everything ...
2005
Plaster, steel mesh, wood, silicone, paint, crystal and synthetic beads, aluminium rods, stainless steel wire, foamax
61 x 114 x 62 cm (62.8 x 121.8 x 102.8 cm including wooden base panel)
Photo: Rlee Jae-Yong

이불은 상충하는 이율배반적인 가치들의 공존을 현대적 삶의 속성으로 파악하고, 이를 작품으로 형상화한다. 따라서 그의 작품들은 한국사회의 단면은 물론 동시대의 포스트모던한 세계관을 담아 낸 것으로 평가되어 왔다. 1990년대 후반 이후의 ‘사이보그’와 ‘아나그램’ 연작이 여성성과 권력의 문제, 대중문화에 대하여 테크놀로지와 유기체를 결합시켜 다루었다면, 최근에는 건축, 공간이 중요한 요소로 부각되어 좌절된 유토피아의 꿈을 보여주는 작품들을 선보이고 있다. 이번 전시에서 이불은 2005년에 처음으로 발표된 ‘Mon grandrécit’ 연작들 가운데 첫 발표작인 <Mongrand récit: Because everything…>(2005)의 축소판을 선보인다. 알루미늄과 합성수지 등의 재료를 사용해 만든 복합적 구조물로, 제목이 암시하듯이 현실화에 실패한 유토피아니즘의 흔적들과 작가의 개인적 이야기를 결합시켜 새로운 서사를 이루어내었다. 유토피아 대 헤테로토피아를 섞어 놓은 듯한 미니어처로써, 실재와 이상, 추함과 아름다움, 세속성과 숭고 등의 변증법적인 반대항들을 결합시켜 온 작가의 주제 의식이 한층 더 성숙해졌음을 볼 수 있다.

Lee Bul explores the contradictions inherent in conditions of the contemporary world. Her work arises out of a conceptual and intellectual context that spans highbrow critical theories as well as cinema, literature, and popular culture. She established her reputation in the 1990s with the Cyborgs and Anagrams series of sculptures, hybrids of machine and organic forms that examined issues of gender and authority and evinced a concern with the experiential and ideological dimensions of the body in a culture increasingly permeated by technology. The most recent phase of her artistic inquiry is represented by a series of works under the rubric “Mon grand récit”: fragmentary topographies and visual narratives of collective utopian aspirations and failures fused with the artist’s individual memories, imaginings, and experiences. The work in the present exhibition is a maquette of the first sculpture produced in the series, Mon grand récit: Because everything...(2005). Like much of her work over the past two decades, it delves into the complex dialectical relationship between the real and the ideal, the abject and the beautiful, the mundane and the sublime.

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장영혜중공업 YOUNG-HAE CHANG HEAVY INDUSTRIE

MAGISTER DIXIT
2007
On- and offline Flash animation with original soundtrack

장영혜중공업은 1999년 장영혜가 C.E.O(최고경영자)로서, 마크 보쥬(Mark Voge)가 C.I.O(지식 총괄 책임자)로서 조직한 넷아트 그룹이다. 텍스트와 음악이 결합한 그들의 작업은 인생과 예술에 대한 모순되고 흥미로운 그들의 사유를 보여준다. Tomorrow 전을 위해 특별히 제작한 <MAGISTER DIXIT> (2007)에서 인류의 역사를 재고하는 탄핵할 수 없는 권리를 소개한다. 그리고 그 권리를 증진시키는 방법들을 제시한다.

YOUNG-HAE CHANG HEAVY INDUSTRIES is yhchang.com. Its C.E.O., Young-hae Chang (Korea) and its C.I.O. Marc Voge (U.S.A.) are based in Seoul. Their work, which combines texts with music, takes a funny, ironic, thought-provoking look at life and art. For Tomorrow, they present a specially commissioned piece, MAGISTER DIXIT(2007), in which an unimpeachable authority reviews the history of mankind and suggests ways to improve it.

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얀 크리스텐슨 Jan Christensen

Untitle Space
2007
Wall painting, acrylic paint, variable dimension, 390 x 340 x 569 cm
Installation view at Artsonje Center

얀 크리스텐슨의 작업은 대개 전시를 위한 큰 사이즈의 설치 작품과 ‘장소특정적(site-specific)’ 프로젝트로 이루어진다. 작가는 건축적 평면도에서부터 각종 도상과 그래피티 활자를 포괄하는 폭넓은 시각적 이미지들을 참조하여, 추상과 구상, 고급문화와 대중문화의 여러 요소들을 결합한 다채로운 색감의 벽화 작업을 전개해왔다. 이번 전시에서 선보이는 <Tomorrow Never Comes>(2006)는 ‘내일’에 대한 작가의 생각인 ‘EVERY DAY IS THE SAME DAY’가 아무렇게나 낙서한듯 필기체로 벽에 쓰여지는 작품이다. ‘매일매일이 똑같은 날’이라는 내용은 사람들이 흔히 오늘보다 나은 희망찬 미래상을 꿈꾸지만, 일상은 큰 변화없이 지속되며, 미래도 계속 반복되는 하루에 지나지 않는다 점을 암시한다.

Jan Christensen often works with wall-paintings, which he carefully plans on computer and sends to the place of exhibition. The artist has also incorporated a wide-range of visual images, such as ground plans for architecture, iconic images, and graffiti, into his work. He blends and combines abstraction/figuration and high culture/popular culture in his colorful wall paintings. In Tomorrow Never Comes(2006), the phrase “EVERY DAY IS THE SAME DAY,” which is the artist’s opinion about “tomorrow,” is sloppily written in cursive all over the wall. People are often full of hope that tomorrow will be better than today, but the artist wants to show that there really is no difference from day to day. Tomorrow is just another repetition of our daily routine.

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데모크라시아 Democracia

Welfare State Series
2007
Four channel video, rows of portable seats HD, 1.77:1 anamorphic, 12 min
El Salobral, Madrid. Sept 2006-Jun 2007
Collaborators: Pedro Laguna, Thorsten Rienth
Courtesy of the artists

데모크라시아는 과연 서구의 민주주의적 가치란 무엇이며, 또한 그것이 어떤 방식으로 세계에 전파되고 있는지에 대해 질문을 던진다. 이번 전시에서 선보이는 작품 <Welfare State Series>(2007)는 데모크라시아가 스페인 마드리드의 엘 살로브랄 지역에서 진행한 최근 프로젝트이다. 유럽에서 가장 큰 빈민가 중 하나인 이 지역의 철거 현장을 촬영하여 비디오 작품으로 제작함으로써 작가는 유토피아니즘 대신 실용주의로 도시가 재구축되는 현 시대를 은유적으로 보여주고자 한다. 이 지역은 의회의 결정에 따라 2007년 여름부터 철거 작업이 시작되었다. 이를 기록하는 일련의 작업을 통해 작가는 단지 주어진 상황을 기록하기보다는, 유토피아니즘 대신 실용주의로 이상적인 도시가 재구축되는 현시대의 단상을 화면에 담아냈다. 그리고 이를 통해 권력을 지닌 자들이 그들이 원하는 유토피아를 건설하기 위해 소외된 자들의 공동체를 해체하는 모습을 제시한다. 또한 이러한 철거과정이 일종의 구경거리가 되어 시민사회가 스포츠경기를 보는 관람자처럼 행동하는 것을 볼 수 있다.

Democracia asks the questions, “What is Western democracy?” and “How is it being forced onto the rest of the world?” Welfare State Series(2007), consisting of four connected screens, is Democracia’s most recent work and was created in the region of El Salobral in Madrid, Spain. El Salobral is one of Europe’s biggest slums, and due to the regional assembly’s decision, it has been under a demolition order since the summer of 2007. Democracia has filmed the demolition site and created video artwork using the footage. However, rather than simply recording this process, the artists hope to show a metaphorical reproduction of the present age in which cities are restructured according to pragmatic rather than utopian imperatives. In this work, civil society acts like public (spectators) of a kind of sport event about the demolition scene.

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차오 페이 Cao Fei

i-Mirror
2007
China Tracy Pavilion floatling above the virtual Venice
Snapshot from Second Life (Director: China Tracy)
Machinima, 28 min

생생하면서도 유머러스한 차오 페이의 작품들은 다양한 문맥에서 동세대의 현실과 꿈을 가시화한다. <i.Mirror>(2007)는 2007년 베니스 비엔날레의 출품작으로, 중국의 수많은 젊은이들이 온라인상의 가상 세계에 중독되어 가는 사회현상에 주목했다. 그가 이 작품의 모티브로 삼은 게임은 젊은이들에게 가장 인기있는 게임들 중 하나인 ‘Second Life(SL)’ 이다. 이 게임은 게임 참여자들이 3D 가상 세계를 창조하여, 게임 속 캐릭터로서 그 곳에 거주하며 스스로가 그 결말의 결정권을 지님으로써 유희적인 가상 체험을 하게 되는 특징을 지닌다. 이 게임 속에서 작가는 자신의 아바타를 ‘차이나 트레이시(China Tracy)’로 명명하고, 캐릭터들 간에 사회적 관계를 형성하는 일종의 가상 모험을 시도한다. 28분짜리 비디오 작품으로, 상업적이며 음침한 분위기의 도시가 연출되고, 그 안에서 영원한 젊음과 아름다움을 가졌지만 공허한 아바타들과 그들의 섹스, 돈, 도박같은 이슈들을 다루고 있다. 게임 속 아바타들은 가상적 존재이지만, 실제 아바타를 창조한 작가와 중국 젊은이들의 사고를 반영한다. 인간은 현실보다 더 나은 이상향을 꿈꾸며, 가상세계를 통해 자신이 원하는 세계를 얼마든지 창조할 수 있다고 믿지만, 이 가상세계에서 조차도 현실로부터 완전히 자유롭지 못하다.
* <i.Mirror>의 총감독은 차오 페이가 아닌 그녀의 SL 아바타, 차이나 트레이시이다.

i-Mirror(2007), Cao Fei’s new site-specific project, has been exhibited in the 2007 Venice Biennale. The artist was fascinated that countless young people are addicted to the virtual world created on the internet. Thus, she chose “Second Life,” one of the most popular internet games, as the theme for her work, i.Mirror. The participants of the game build, reside, and own the simulated 3D world. In the game, participants create their second worlds, reside there as avatars and choose their own paths. This is a truly open-ended entertainment. Naming her avatar China Tracy, the simulated world closely resembles reality, and the avatars actually form relationships in their society. Her work is a 28 minutes SL video that depicts sex, money, gambling, and forever young and beautiful avatars in a melancholic city. All the avatars are lonely, and craves for some substance to fill their void. As such, the cyber world of avatars reflects the lifestyle and thoughts of the artist and the younger generation of China. Though people always try to create an idealistic world in cyber space, they cannot be completely free from reality.
* i.Mirror is entirely directed by China Tracy, not Cao Fei.

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리암 길릭 Liam Gillick

Prototype Structure for a Social Centre
2006
Black watercut aluminium, cables
ca. 100x170cm (LG 302)
Collection of Jean-Michel Attal, Paris
Installation view at Artsonje Center

리암 길릭은 설치, 비디오, 컴퓨터 애니메이션 등의 장르를 넘나들며 작업한다. 작가의 조사에 따르면, 1970년대 스웨덴에서 개발된 자동차의 실험적인 신생산 방식은 서구 산업의 표준적 방법론이 되었는데, 이러한 개발은 점차 증가하는 국제화된 생산 방법론으로 인해 사라지게 된다. 이에 대해 작가는 하나의 시나리오를 마련하는데, 북유럽의 자동차 공장 노동자들이 이전의 작업 공간으로 돌아와 일을 하고, 또 대안적인 생산론과 시스템에 대해 논의하는 내용이다. 그러한 비평적 시나리오의 일환으로 제작된 <Prototype Structure for a Social Centre>(2006)는 공산주의의 고전적인 생산방식 모델을 피하면서도 공동체적인 작업 환경을 촉구하는 작가의 독특한 지향점을 보여준다. 이와 함께 선보이는 <A Film with No Camera>(2007)는 리암 길릭이 Tomorrow 전을 위해 특별히 작업한 포스터 형식의 작품이다.

Liam Gillick works various materials including installation, video, computer animation. According to the artist’s investigation, the experimental production methods developed in the 1970s in Sweden, have become part of the standard rhetoric of Western industry. These developments have disappeared due to the increasing globalization of production and the out sourcing away from the site of consumption. Liam Gillick has been working on a book in which workers in a northern European car factory return to their former work place and discuss the potential of eco-political exchange systems and alternative production models. Created while developing the concepts necessary for the text, Prototype Structure for a Social Centre(2006) refers to the post-war progressive model of production developed in northern Europe that avoided classical models of communism, while at the same time attempting a new form of communal team working environment. Gillick is also working on posters for the Tomorrow exhibition. A Film with No Camera(2007) is a poster type test-work that Liam Gillick made specially for the Tomorrow exhibition.

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얀스 해닝 Jens Haaning

Baghdad Sign
2006
Metal sign; acrylic, fluorescent tube, 21x168x130cm
C-print; 67.5x90cm
Courtesy of Galleri Nicolai Wallner, Copenhagen, Denmark
Installation view at Kumho Museum of Art

국가 간 그리고 중심부와 주변부 간의 문화적 차이를 다루는 개념적 작품들을 발표해온 얀스 해닝은 이번 전시에서 <Baghdad Sign> (2006)을 소개한다. 작가가 이라크 바그다드의 침구류 상점 ‘Furniture Cotton Garden’에 걸려있던 간판을 구입하여 전시장에 걸어놓고, 그 옆에 그 간판이 가게에 걸려있던 광경을 찍은 사진을 함께 보여준다. 상점 간판을 이라크에서 덴마크 등 타국의 전시 장소로 운송하여 전시하는 과정을 통해서, 관람자에게 국가 간의 문화적 차이, 권력 관계에 대해 언급하고자 한다. 이처럼 사회 내의 권력 구조를 단적으로 드러내는 오브제에 주목해온 해닝은 이 작품을 처음으로 전시했던 덴마크를 비롯하여 유럽 국가들과 이라크의 관계를 부각시킴으로써, 격심한 파병 반대논쟁 가운데 이라크 파병을 감행했던 덴마크에서 공론화되지 못했던 국제적인 정치 문제들을 환기시킨 바 있다. 그리고 이번 전시에서는 상대적으로 국제적인 이슈에서 소외되었으며, 이라크 전쟁에 대해 꾸준한 논의가 진행되지 않았던 제3세계 아시아 국가에서 소개되어 우리의 주의를 환기시킨다는 점에서 특별한 의의를 지닌다. 또한 이상적인 미래를 구축하기 위하여, 끊임없이 논쟁거리가 되어왔던 국가 간의 비평등적인 권력관계를 예술로써 시사하여, 사회 속의 예술을 실현하고 있다.

Jens Haaning’s Baghdad Sign(2006) is from Iraq. He non-chalantly selected the signboard of a store in Baghdad called “Furniture Cotton Garden,” which sold feather comforters and pillows. He bought it and now installs it in galleries and museum along with a photograph of the signboard in its original place at the store. For the last few years, Haaning has been actively implementing various public art projects that depict dislocation resulting from encounters and exchanges between different communities. He has exhibited the sign he purchased in Baghdad, Iraq in Denmark, Austria, and Germany. By transporting a product from Iraq to Denmark and then to various galleries, he has tried to show the complex power structures between different nations. The artist, who has always been interested in social power structures, considers the relationship between Denmark and Iraq as one of the occupier and the occupied. Through this work, he lifts the political veil of Denmark’s dispatch of troops to Iraq. In addition, this exhibition is meaningful in that it is shown in an Asian country that is less acknowledged for its involvement in international endeavours such as the occupation of Iraq.

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피에르 위그 Pierre Huyghe



A Journey That Wasn’t
2005
Super 16mm film and HD video transferred to HD video, color, sound; TK min
Filming in Central Park: Public Art Fund
Courtesy of Marian Goodman Gallery, New York/Paris
Photo by Pierre Huyghe

이것은 재현을 향한 통로이다; 명백히 이는 비극적인 오디세이다.
El Diario del Fin del Mundo: 온난화에 따른 남극 빙하의 감소로 지도 상에 표시되지 않은 섬들이 드러났다. 이와 함께 이 섬들에 산다고 알려진 흰 동물에 대한 소문이 떠돌기 시작했다. 섬의 위치에 대해 지리학적인 추측이 가능해지면서 몇몇 사람들이 잘 알려진 연구소 타라 기지의 남쪽에 있다고 알려진 가상의 섬을 찾아 나섰다. 이들의 짐에는 치외법권 지역에서 대륙까지 그들의 이동을 전송할 무선 송신기와 가상의 흰 동물들과의 접촉을 가능케 할 실험 도구들이 들어 있었다. 이 실험 도구들은 섬의 형태를 모르스 부호처럼 소리와 빛의 정교한 시퀀스로 바꾸도록 고안된 것이었다. 주변 지형도를 본따 움직이는 주파수를 통해 그 미지의 지역은 잠시나마 시각적, 음악적 언어로 전개된다.
Double Negative(이중 부정): 센트럴파크의 월맨 아이스링크는 음악공연을 위한 무대가 되었다. 이를 통해 대중은 실재를 보지 않고도 다른 곳에서 일어난 경험을 할 수 있었다. 이러한 뮤지컬 공연은 미술과 예술의 또 다른 형식과의 만남의 장이 된다. 오케스트라는 섬의 지형도에서 추출된 자료를 바탕으로 제작된 독창적인 악보를 연주한다. 공연 시간은 섬을 ‘듣기’ 위해 요구되는 시간과 같다.

This is the path toward representation; obviously it is a tragic odyssey.
El Diario del Fin del Mundo: The reduction of the Antarctic ice shelf revealed several uncharted islands, accompanied by a rumour describing a singular white animal said to live on one of them. Operating on the postulate that such a place could geographically exist, a group of people embarked on a voyage in search of this hypothetical island, navigating southwards on the world-renowned polar research vessel, the Tara. Their provisions included a radio transmitter to broadcast their movements from extraterritorial water to the continents and experimental equipment meant to facilitate contact with the creature. The machine was designed to translate the island’s shape into a complex sequence of sound and light, not unlike a luminous, musical variation of Morse code. Through a pulsating radiance analogous to the surrounding topography, the unknown place became a language unfolding temporally.
Double Negative: The Wollman ice rink in Central Park was transformed into a stage for a musical show, through which the public begins to discover an experience that occurred elsewhere, without having access to its representation. It is, then, an equivalence, an encounter with another form. A symphonic orchestra plays an original score based on the data extracted from the island’s topography. The duration of the show is equal to the time needed to “listen” to the island.

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최정화 Choi Jeong-Hwa

Se Han Do
2007
Alluminum foil
Installation view at Artsonje Center

최정화는 주로 대중문화의 통속적인 요소들을 차용하여 작품을 만든다. 한국 사회의 근대화 과정 속에서 발견되는 대표적인 대량 생산물인 플라스틱 바구니, 합성 비닐, 양재 그릇 혹은 때밀이 수건 같은 물건들을 반복적으로 늘어놓거나 쌓아놓는 작업을 주로 보여주었다. 하나의 단위를 반복하여 쌓고 나열하는 과정 속에서 한국 사회의 근대화에 내포된 정량적이고 재빠른 ‘팽창’ 이면의 허위를 드러내는 것이 바로 최정화의 전략이기도 하다. 이번 전시를 위해서 그는 한국의 전통 풍경화를 대표하는 추사 김정희의 <세한도> <세한도> (1844)에서 착안하여, 아트선재센터 내의 한옥 주변의 담을 알루미늄 호일로 덮는 <세한도> <세한도> (2007) 작업을 한다. 즉 특정 공간을 은빛으로 반짝거리는 물질로 감싸, 새로운 맥락의 공간으로 탈바꿈시키는 것이다. 이전부터 즐겨 써온 현대적 대량 생산품인 호일을 재료로 삼아 한국 전통 가옥의 물성을 뒤바꿔놓은 듯한 작업으로, 과거로부터 지속된 전통미와 현대적인 메탈릭 소재 특유의 아름다움을 결합한 그만의 독특한 미감을 엿볼 수 있다.

Choi Jeong-Hwa frequently incorporates elements of popular culture into his artwork. He repeatedly scatters and piles plastic baskets, synthetic vinyl, dishes or towels, which symbolize mass productions in Korea’s modern society. The repetitive laying or stacking a unit of consumer goods reveals the fallacy of the quick expansion that lies at the heart of Korea’s modernization. For this exhibition, he covers the Korean traditional house(Han-Ok) at the Artsonje Center with aluminium foil to create Se Han Do(2007). This is an idea he got from (Chusa) Kim Junghee’s piece of the same name. The aluminium foil, a mass produced product, has the effect of changing the materiality of the traditional house and of further changing the characteristics of the place into an entirely new one. By reforming everyday materials into shiny ones, the works blurred the boundary between everyday life and the world of art. In this exhibition, the artist reinforce the traditional beauty of Korea with the metalic materials.

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롱 마치 프로젝트 Long March project

Korea 2018
2007~
Participatory Action Reseach Project

앞으로 계속될 ‘대장정 계획’의 초석이 될 프로젝트는 한반도의 문화적 발전 가능성을 논의하는 대화의 장을 여는 자리였다. 익명의 남·북한 문화 관계자가 함께 모이는 자리를 마련한 데 이어, 북한의 문화와 사회적 상황에 깊은 관심을 갖고 있는 남한의 사회학자, 예술가 및 일반 시민이 모여 자신의 견해를 표명하였다. 은 분단된 한반도 양측의 문화제작자들로 하여금 대안적인 가능성을 실현하기 위한 실험 과정에 참여시킬 것을 지향한다. 문화적, 사회적 또는 예술적 과업에 있어서 남북의 서로 반대되는 정치적 상황과 역사적 광경들은 더 이상 기정된 실재라 할 수 없으며, 따라서 은 아직 탐색되지 않은 사회·역사적 문화영역을 제시하는 프로젝트라고 할 수 있다.

Korea 2018, the first installment of an ongoing project, consisted of a set of conversations dealing with the possibilities of cultural development on the Korean Peninsula. One meeting brought together an anonymous pair of North and South Korean cultural experts. Meanwhile, Long March spoke with an array of South Korean social scientists, artists, and members of the general public who have an interest or specialization in culture and/or North Korean affairs. A long-term project, Korea 2018 aims to engage cultural producers from both sides of the Korean divide in a speculative process of realising alternative possibility on the Korean Peninsula. One where the oppositional politics are no longer a given in cultural, social or artistic engagement; but where yet unexplored socio-historical cultural territory can be realized.

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시징맨 Xijing Men
     

Do you know Xijing?
2007
Mixed media installation
Installation view at Artsonje Center

Xijing Men은 일본의 오자와 츠요시, 중국의 첸 샤오시옹 그리고 한국의 김홍석이란 3명의 작가가 모여 결성된 국제적인 협력그룹이다. 북경(北京)과 남경(南京)은 중국에, 그리고 동경(東京)은 일본에 위치하지만 지구상에 서경(西京)은 존재하지 않는다. 이들의 첫 협동 작업인 <Do You Know Xijing?> (2007)은 가상의 도시인 서경을 필름 또는 사진, 오브제 등의 매체를 이용하여 마치 존재하는 도시인 것처럼 만든다. 세 명의 작가들은 각자 직접 선택한 휴양지 섬을 가상의 서경으로 가정하고, 서경에 관한 이야기를 전개하였다. 서경은 예술가를 위한 그리고 예술을 사랑하는 사람들을 위한 조용하고 평화로운, 외지인들도 금방 그 아름다움에 동화되어버리는 도시이다. 지도에는 표기되어 있지 않은 이 도시는 소수의 몇몇 사람들만 가 본 적이 있는 곳이다. 이 공동작업은 총 5개의 프로젝트들로 구성될 것이며, 결국 서경에 대한 모든 이야기는 이들 프로젝트를 통해 점차 발전적으로 전개되는 형식으로 드러날 예정이다. 한·중·일 삼국의 작가들이 모여 가상의 유토피아적 공간을 창조한다는 발상은 관람자로 하여금 천진하면서도 유머러스한 공감을 얻어낸다.

The Xijing Men is an international group whose members include Gimhongsok from Korea, Ozawa Tsuyoshi from Japan, and Chen Shaoxiong from China. They met through an exhibition that they all took part in, and named themselves the Xijing Men to show that they are from the western city. They show their first collaborative work Do You Know Xijing?(2007) at this exhibition. In Asia, the main northern city, Beijing(Buk-kyung 北京) and the main southern city, Nanjing (Nam-kyung 南京) exist in China, while the main eastern city, Tokyo (Dong-kyung 東京) exists in Japan. However, a main western city Xijing(Suh-kyung 西京) does not exist. It is to be said that Xijing is the city for the artists and for people who love art. The city can not be found of the map, and only few people have ever been there. This collaborative work between the three artists, Do You Know Xijing?, will consist of five projects and the whole story of Xijing will finally be revealed. Although this is a project that will most likely never be realized, the statement that these three artists from Korea, China, and Japan make about wanting to create an imaginary utopian space arouses responses full good humor.

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사라 모리스 Sarah Morris

Los Angeles
2004
35mm/DVD
26 min 12 sec

사라 모리스의 작업은 사진, 비디오, 퍼포먼스, 설치 등 광범위한 매체를 이용할 뿐만 아니라, 텍스트를 포함한 비평작업도 작업범주에 속해있다. 사라 모리스는 1990년대 중반부터 최근까지 미국의 5대 도시인 뉴욕, 라스베가스, 워싱턴, 마이애미, 로스앤젤레스의 도시풍경을 담은 필름작업을 진행했다. <Los Angeles> (2004)는 도시의 대량생산 소비체계를 가장 단적으로 대변해주는 영화계를 소재로, 거대한 영화 산업과 헐리우드 시스템, 그리고 스타 문화의 집합체라할 수 있는 아카데미 시상식을 일주일간 35mm 필름으로 촬영한 것이다. 작가는 배우들, 아카데미 시상식의 장식들, 시상식 무대 뒤의 좁은 복도 등을 마치 도시의 초상화를 그리듯 거리를 두고 예리하게 관찰하는 시각으로 바라본다. 리암 길릭이 작곡한 음악이 사용되어 작품의 내밀한 분위기를 한층 더 자아낸다.

Sarah Morris has been investigating the particular languages and mentalities of various urban environments. Since the mid-1990s she has used film, painting, print making, drawing and other media in her process of interpreting the physical as well as the socio-economic architectures of major American cities. For Tomorrow she will be presenting her film project Los Angeles(2004). Los Angeles exposes actors, actresses, backstage corridors and the Academy Awards’ elaborate decorations as it examines the structure of Hollywood’s system of star-production by highlighting its central characters and examining the relationship between them. While the use of 35mm film gives her work a cinematic quality, the choice of camera angles combined with the background music which was composed by fellow artist Liam Gillick gives it a mysterious aura.

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안토니 문타다스 Antonio Muntadas

Warning: Perception Requires Involvement (지각은 참여를 요구한다)
Artsonje Center Print - Seoul, 2007
from the series:
On Translation: Warning
1999-, Vinyl cutting sheet, variable dimension
Installation view at Artsonje Center

1970년대부터 문타다스는 의사소통에 있어서의 권력관계, 제도의 진실과 허구, 그리고 예술이 공공의 장소에 개입될 때 어떤 현상을 보이는가에 관심을 가져왔다. 그는 작품을 통해 미디어에 대한 비판적인 입장을 견지해왔는데, 미디어라는 개념을 텔레비전이나 라디오 뿐 아니라, 눈에 보이지 않는 통신 네트워크나 공공건물까지도 포괄하는 광범위한 의미에서 사용한다. 이번 전시에서 작가는 아트선재센터 유리창에 빨간색 바탕에 모던한 글자체로 작가의 유명한 경구인 “경고: 지각은 참여를 요구한다”를 써놓은 작품을 선보인다. 이 문장은 다양한 재료로 관객에게 소개되는데, 주목할만한 점은, 이 텍스트가 전시되는 각 국가의 언어로 번역되어 설치된다는 것이다. 이러한 방법을 통해 작가는 지역적 특수성을 언어를 통해 강조하는 한편, 다양한 환경 속에서 조금씩 다른 의미로 변화하게 되는 텍스트로 사람들의 의식을 자극한다. 또한 동일한 문구를 담은 포스터 작업 <Warning> (1999- )도 소개된다.

Since the 1970s, Antoni Muntadas has been interested in the power structures of communication, the realities and falsehoods of institutions, and the impact art has when it is placed in public space. Through his works, he consistently analizes the media. Media, to him, means more than just television and radio; it's perceptions through the slight variations in meaning of the text. I. Also the same aphorism will be used in the poster Warning(1999- ) for Tomorrw.

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오인환 Inwhan Oh

Where a Man Meets Man in Seoul
2001-2007
Incense
Installation view at Kumho Museum of Art

오인환은 시간과 장소를 기록하는 작업과정을 통해 글쓰기에 있어 주체란 과연 존재하는가를 질문하여 텍스트의 상대성을 드러내왔다. <Where a Man Meets in Seoul> (2001-2007)은 캔버스 역할을 하는 바닥 위에 향가루를 사용하여 마치 상형문자 같이 쓰여진 글자들이 전시기간 내내 타들어간다. 관람자는 향 냄새를 맡으며 그 과정을 지켜보게 되는데, 결국 작품은 그 흔적만을 남기고 사라지므로, 누구도 소유할 수 없기에 모두가 함께 실시간으로 체험하는 특징을 지닌다. 서울에 위치한 동성애자들의 바 또는 모임의 이름들을 제례에 사용되는 향가루로 보여줌으로써, ‘개인적 경험의 공간’과 ‘개념적 공간’ 간의 경계, 그리고 ‘나만의 공간’과‘타자의 공간’ 간의 경계를 드러내는 방식으로 작가 주변의 여러 상황들 사이의 관계를 탐구한다. 그리고 민족주의적 집단 정체성이 해체되는 대신 소규모 공동체의 일원으로서 스스로의 정체성을 정립하는 현대인의 일면을 제시한다는 점에서, 본 전시가 추구하는 현대 사회에서의 새로운 공동체 개념과도 부합된다고 보여진다.

Through the process of recording time and place, the artist questions the existence of the subject in written work. In other words, the relativity of the text is expressed through art. In this piece, Where a Man Meets Man in Seoul(2001-2007), the floor acts as a canvas as letters resembling hieroglyphics are written on its surface using incense powder. The incense is left to burn into the floor throughout the period of the exhibition, and the viewers can smell the aroma and watch the artwork as it disappears, leaving only its traces. No one can possess this work, but everyone can experience it as it progresses in front of their eyes. Therefore, the real value of the work lies in the participation of the public and its occurance in real time. The artist uses ritualistic aroma to write the names of various gay bars and gay groups to expose the fine line between the “space of personal experience” and “conceptual space,” as well as the fine line between “personal space” and “the other’s space,” ultimately drawing out the connections between the various situations that surround him. This piece represents the individual identity of the modern man who lives in a world where nationalism is increasingly being replaced by smaller group ideologies.

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마이-뚜 페레 Mai-Thu Perre

An Evening of the Book
2007
Mixed media installation
Courtesy of Galerie Francesca Pia, Zürich; Praz-Delavallade, Paris; Galerie Barbara Weiss, Berlin
Installation view at Kumho Art Museum

각각의 작품 안에 독특한 서사 구조를 내포하는 점이 흥미로운 마이-뚜 페레의 작품세계는 전반적으로 유토피아적 공동체의 실재와 허구 사이의 간극, 또는 작가라는 주체의 실재와 그 이상적 역할 사이의 간극을 다루며, 유토피아 세계의 ‘불확실성’으로부터 기인한다. 이번 전시에서 소개되는 페레의 새로운 비디오 설치작품인 <An Evening of the Book> (2007)은 서로 연계된 3개의 DVD 영상과 전시장 벽지라는 두 부분으로 구성된다. 어두운 장소에서 소녀들이 등장하는 흑백 무성 필름을 상영한 뒤, 불이 켜지고 페레가 직접 작사와 노래를 맡고, 스티븐 파리노(Steven Parrino)가 작곡한 “The Spider Song”이란 노래가 5분간 흘러나온다. 전시장 벽에 부착되는 파랑, 검정색 벽지와 스크린으로 이용되는 은색 벽지는 구축주의적이고 연극적인 요소로 작용한다. 특히 이 벽지는 러시아 구축주의 작가였던 바바라 스테파노바(Vavara Stepanova)의 텍스타일 디자인에서 영감을 받아 제작되었다는 점에서 미술사에서의 유토피아 개념의 맥을 잇는 것으로 보여진다. 따라서 마이-뚜 페레의 미술에서 러시아 구축주의의 재등장은, 과거로부터 차용한 것이 그녀의 작품을 통해 비로소 현실과 만나며 동시대성을 획득한다는 점에서 현대사회에서의 새로운 의의를 부여받는다.

At a glance, Mai-Thu Perret’s artworks are diverse, from small handmade goods to huge, theatrical installations. However, her artworks all center on the concept of truth and fiction within a utopian community, or the “uncertainties” that are caused by the realities and abnormalities of being an artist. Perret’s new installation video piece called An Evening of the Book(2007) consists of two parts: three connected DVD images and the wallpaper on the wall of the gallery. After a silent film is shown in a dark space, The Spider Song which Perret wrote and sung herself (music composed by Steven Parrino), is played for 5 minutes. The black and blue wallpaper and the silver wallpaper used on the projection screens function as a constructivist and theatrical component. This wallpaper was inspired by a textile design by Russian Constructivist Varvara Stepanova, who struggled to actualize her famous costume designs and patterns. The reappearance of Constructivism in Perret’s is meaningful in that it connects the past and the present.

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세르지오 프레고 Sergio Preggo

Black Monday
2006
Video, 3 min 3 3sec
Courtesy of Lehmann Maupin, New York

이번 Tomorrow 전에 출품한 (2006)는 프레고가 스페인의 공장지대의 일부였던 빌바오의 빈 공장에서 인위적으로 작은 폭발을 일으켜, 거기에서 발생하는 연기 기둥을 다양한 앵글로 촬영한 영상 작품이다. 프레고는 이 폭발 장면들을 여러 각도에서 촬영한 후, 디지털 작업으로 영상을 약간 조작하고 조합하여 시간과 공간의 특별한 관계를 형성하고, 연기 기둥이 마치 3차원적인 조각처럼 보이게끔 만들었다. 즉 작가는 선적으로 배열된 시간 관념을 비디오로 조작함으로써, 일반적 시공간 관념에 의문을 제기하고 관람자에게 시공간을 인식하는 새로운 방식의 가능성을 제시한다.

Black Monday(2006) is a depiction of a small artificial explosion and a plume of smoke captured from several viewpoints simultaneously in the interior of an empty factory. The factory is located in the fading remains of Bilbao’s industrial ring in Spain. After taking these pictures, Prego digitally constructs camera movement around the explosion to upset the usual relationship between space and time. In turn, he has created what appears to be a three-dimensional sculpture in the final video. In this work Prego proposes a new notion of space and time by questioning the linear progression of time in our standards of narration.

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나빈 라완차이쿨 Navin Rawanchaikul

Navin Party
2006-
Mixed media
Navin Production Co., Ltd.
Installation view at Kumho Museum of Art

나빈 라완차이쿨은 미술 제작, 발표, 그리고 배급에 이르기까지의 오늘날의 미술 시스템 전반에 의문을 던지며 일상적 삶과 미술의 만남을 주선한다. 그의 제작사인 나빈 프로덕션(Navin Production Co., Ltd.)이 함께 제작하는 그의 작품은 택시를 이용한 국제 현대 미술관, 워크샵 시리즈, 심포지움, 인터랙티브 게임, 그리고 광고판, 만화책, 조각품, 그림, 인형, 애니메이션 등을 이용한 정교한 이야기 환경 구축 등 다양한 내용을 포함하고 있다. 2006년부터 미술가들(특히 아시아계 미술가들)을 국적별로 나누는 미술계의 경향에 의문을 제기하며 라완차이쿨은 ‘나빈당’ (www.navinparty.com)을 창설하였고, 외로운 디아스포라의 후손인 라완차이쿨이 그와 같은 이름을 가지고 있는 사람들을 위한 국제당을 설립한다는 이야기를 바탕으로 여러 작품을 제작하기 시작했다. 나빈당은 ‘나빈’이라는 이름을 가진 사람들을 찾아 세계 각국을 여행하며 다양한 문화 매체와 선전 기법을 이용하여 나빈이즘과 세계명목론을 위해 활동한다. 이번 전시에서 라완차이쿨은 <Navins of Bollywood>(2006)라는 발리우드 스타일의 뮤직비디오를 이용하여 나빈당을 소개하고, 나빈이라는 이름을 가진 남·북한의 두 젊은이와의 만남에 대한 작품인 <Imagine Navin>(2007)을 선보인다.
* 한국어에는 ‘v’에 해당하는 자음이 없기 때문에 한국에서 Navin은 Nabin으로 바뀐다.

Questioning modern systems of artistic production, presentation and distribution, Rawanchaikul seeks for ways to put art in touch with the lives of everyday people. His work which is most often produced in collaboration with his production company Navin Production Co., Ltd. has included the use of a taxi as an international contemporary art gallery, workshop series, symposia, interactive games, and elaborate storytelling environments consisting of vernacular billboards, free or cheap comic books, sculptures, paintings, puppetry, animation and more. In 2006, taking issue with the art system’s tendency to organize and utilise artists (Asian artists in particular) in accordance with their geo-national peculiarities, Rawanchaikul initiated the Navin Party (www.navinparty.com) and began producing a series of works based on a story where Rawanchaikul, a lonely son of diaspora, founds a global party for people who share his name, Navin. Traveling the globe in search of fellow Navins the project appropriates various cultural production and propaganda techniques and employs them in the interest of navinism and global nominalism. For Tomorrow, Rawanchaikul introduced the Navin Party with the presentation of a bollywood-style music video that tells the story of the party’s founding, Navins of Bollywood while promoting an upcoming production that tells the story of the meeting of two young Nabin* from North and South Korea.
* The Korean language has no “v” equivalent consonant, in Korea Navin is Nabin.

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토비아스 레베르거 Tobias Rehberger

Im Nirvana Irgendwo
2005
MDF, PU foam, plexiglass, metal, synthetic resin color, minipod, sound system, ca. 730x910x60cm
Courtesy of Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt am Main
Installation view at Artsonje Center

<Im Nirvana Irgendwo> (2005)는 스페인의 레이나 소피아 국립미술관에서 열린 "I Die Every Day. Cor l 15,31" 전을 위해 레베르거가 2년여 동안 작업한 것들을 모아놓은 장소특정적 설치작품 중 하나이다. 성경에서 사도 바울이 고린도인들에게 보낸 서신에 등장하는 ‘부활’ 개념을 사용하여, 레베르거는 자신의 미술 작품들을 전시 공간에 부활시켰다. 16점의 미완성 작품들을 미술관 공간에서 부활시키는 이 프로젝트는 작품의 기본 아이디어 또는 미완성작들을 기반으로 삼아, 그것들을 다른 재료, 다른 크기로 바꾸어 새롭게 부활시키는 과정까지를 포함한다. 특히 Tomorrow 전시를 위해 선택된 작품은 1995년에 뮌스터 조각 프로젝트 전시를 위해 고안되었다가 성사되지 못한 작업을 부활시킨 것이다. 레베르거는 도날드 저드(Donald Judd)의 작품에서 착안하여, 바닥에 납작하게 놓인 두 개의 링이 겹친 모양의 작품을 만들었다.플렉시 글래스로 만든 본 설치작품은 ‘어느 곳에나 존재하는 깨달음’을 의미한다. 한번도 구현된 적이 없는 작가의 프로젝트는 ‘유토피아적 상상’을 부활시켜 궁극적으로 ‘멋진 유토피아 궁전’을 전시 공간에서 구현하고 있다.

Im Nirvana Irgendwo(2005) was originally conceived for Tobias Rehberger’s solo exhibition I Die Every Day. Cor. I 15,31 exhibition at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia in Madrid, Spain. As all the other works in that exhibition this sculpture is formally based on one of the canceled projects that have accumulated during Rehberger’s career. Referring to the Bible, he used the concept of “resurrection” from the letters that Saint Paul wrote to the Corinthians and applied it to the the resurrection of his own artworks. In that exhibition, he used 16 of his canceled projects and resurrected them within the exhibition space. Using their basic ideas and forms as the foundation, he applied different materials and dimensions to resurrect his pieces. The artwork selected for Tomorrow is the resurrection of a project that Rebgerger originally developed for the Muenster Sculpture Project in 1995. The original idea for Muenster was to turn the two concrete rings of an existing Donald Judd’s Sculpture (the rings) into a bar for visitors to sit on and build a parking space for the visitors of the bar on the lawn near the bar (the platform). The plexiglass installation now merges reminicences of the original project, that has never been realized with the “utopian idea of it’s resurrection” as an autonmous sculpture in a different place and time.

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마사 로슬러 Martha Rosler

Bringing the War Home: House Beautiful Series
1967-1972, 2004
Photomontage, 20x24inches/24x20inches
Courtesy of the artist, Galerie Christian Nagel, Köln/Berlin and Michell-Innes & Nash, New York
Installation view at Kumho Museum of Art

A Simple Case for Torture, or How To Sleep at Night
1983
DVD from BetaSP, 61 min 46 sec

이번 Tomorrow 전에는 마사 로슬러의 <Bringing the War Home: House Beautiful> (1967-1972, 2004) 연작 중 24점의 포토몽타쥬 작품이 선보인다. 이 중 12점은 1967년에 시작됐던 ‘베트남’시리즈에서, 나머지 12점은 2004년 신작 ‘이라크’시리즈에서 출품되었다. 작가는 미국이 국외지에서 자행한 두 전쟁에 대한 대중적 관심에 주목하면서, 출판된 전쟁 이미지들을 인테리어 잡지에서 종종 볼 수 있는 안락한 일상생활의 이상화된 실내장면과 나란히 배치시킴으로써 정치적 문제들에 대해 우회적으로 논한다. 또한 1983년에 제작된 비디오 작품도 함께 소개되는데, <A Simple Case for Torture, or How to Sleep at Night>(1983)는 미국이 국내법과 국제법을 거스르면서 고문을 대외정책의 일환으로서 뒷받침하고 부추기는 방식을 폭로한다. 미국의 한 주요 잡지에 실린 고문에 관한 토론에 초점을 맞춘 이 비디오 작품은 신문 보도기사와 논평, 영상 공세를 차용하여, 미디어가 대중을 혼동케 하고 정부의 고문공작과 인권침해 실상을 은폐시키는 상황을 환기시킨다. ‘테러와의 전쟁’과 관련하여 고문에 대한 논쟁이 더욱 고조되고 있는 현 상황이 이 작품에 더 큰 의미를 부여하고 있다.

For the present exhibition, Tomorrow, Rosler presents twenty-four photomontages from the series Bringing the War Home: House Beautiful(1967-1972) and Bringing the War Home: House Beautiful, New Series(2004). Twelve of these images are from the “Vietnam” series, begun in 1967, and twelve are from the new “Iraq” series of 2004. In focusing public attention on these two wars, conducted in far away lands by the United States, Rosler makes indirect reference to political issues by juxtaposing idealized domestic scenes from everyday life at home, often chosen from home-decor magazines, with published images of the wars. Rosler is also presenting her video work, A Simple Case for Torture, or How to Sleep at Night, produced in 1983. This work exposes the way in which torture has been covertly supported and abetted by the United States as an element of foreign policy, violating both U.S. and international law. The video, which is centered on an article arguing for torture in a major U.S. magazine, uses a barrage of newspaper reports, commentary, and video clips, recreating the situation in which the media are able to confuse the public and hide the truth about government complicity in torture and the violation of human rights. The work has especial relevance today when the debate on the use of torture has become more overt in relation to the “war on terror.”

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티노 세갈 Tino Sehgal

현대무용과 정치경제학에 조예가 깊은 티노 세갈은 이와 같은 지식을 기반으로 현대미술이 가지고 있는 정치적 이슈들을 단순한 주제적 접근이 아닌 새로운 방법론으로 풀어나가는 예술가이다. 매 두시간마다 어느 누군가에 의해 변화되고 반복되는 움직임의 집합체인 <Instead of allowing some thing to rise up to your face dancing bruce and dan and other things>(2000)는 작업의 제목에서 드러나듯, 댄 그래엄(Dan Graham)과 브루스 나우먼(Bruce Nauman)의 퍼포먼스에서 등장하는 움직임을 포착하여 고안한 것이다. 역사를 보존하고 재해석함으로써 과거, 현재, 미래를 연결하는 미술관에서 티노 세갈은 댄 그래엄의 <Roll>(1970)과 브루스 나우먼의 <Wall-Floor Positions>(1968)을 느린 박자의 움직임으로 재해석한다. 그의 작업을 진행하는 사람들은 같은 동작을 반복하지만 그 동작은 관람객의 관점에 따라 변화한다. 이렇듯 작가는 노래나 무용과 같은 전통적인 예술 행위를 지속적으로 재현함으로써 일어나는 ‘행위의 변환’을 통해 생산성의 새로운 패러다임을 만들어낸다.

Tino Sehgal has studied political economy in Berlin and dance in Essen and began his work in the context of the visual arts in 2000. A background in choreography and political economy both inform and play a fundamental role in the artist’s work. He does not produce tangible objects neither he is interested in leaving any form of material trace. His medium is immateriality, which he uses to generate highly provisional pieces of art that challenge the traditional museological context. Titled Instead of allowing some things to rise up to your face dancing bruce and dan and other things(2000), the piece referenced early videos by Dan Graham and Bruce Nauman. In front of the window, a dancer writhed on the floor in slow motion, evoking both a physical seizure and modern dance. Sehgal considers that dance as well as singing - as traditional artistic media - could be a paradigm for another mode of production which stresses transformation of acts instead of transformation of material, continuous involvement of the present with the past in creating further presents instead of an orientation towards eternity, and simultaneity of production and deproduction instead of economics of growth.

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앨런 세큘러 Allan Sekula

A Short Film for Laos
2006
Digital video, color, sound, 45min
Courtesy of Christopher Grimes Gallery, Santa Monica, California

텍스트와 리서치를 기반으로 한 작업에서 단연 돋보이는 작가인 세큘러의 <A Short Film for Laos>(2006)는 지구상에서 가장 많이 폭격을 당한 국가인 라오스를 조명한 45분짜리 다큐멘터리 필름이다. 라오스는 미국의 제국주의 전략의 희생양이자 폭격실험장이 된 국가이다. 라오스의 전쟁과 시엥 쿠앙 평원의 고유 신화를 결합하여, 작가는 반 하드 히엔 지역 대장장이들의 자취를 쫓는다. 이를 통해 세큘러는 전쟁의 참상과 국가를 재건하려는 활발한 움직임이 공존하는 라오스의 오늘을 포착함으로써, 그들이 꿈꾸는 이상향인 ‘내일’을 동시에 보여준다.

Allan Sekula’s A Short Film for Laos(2006), is a 45 minute documentary film focusing on Laos, the most bombed country on earth. Interweaving the mythology of the Xieng Khouang Plateau with the story of the Laos War -a war that created countless victims - the artist follows the lives of the blacksmiths of Ban Haad Hien. Through this story Sekula portrays a country in which the misery of war and the hope to reconstruct co-exist, illustrating the “Tomorrow of Laos” as a utopia yet to be achieved.

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브루노 세랄롱그 Bruno Serralongue

Mexico City Series
2007
framed ilfochrome/aluminium
76.5 x 60 x 5 cm

브루노 세랄롱그는 매스미디어에서 다루는 보도사진의 형식을 빌려 작업한다. 일반적인 사진기자처럼 뉴스거리가 될만한 광경을 사진에 담는 대신, 그는 상대적으로 덜 알려진 장면을 카메라에 담는다. 최근 그는 강대국을 중심으로 추진되는 세계화 정책으로 인해 상대적으로 약소한 제 3세계의 국가들에서 발생하는 문제들을 사진에 담고 있다. 즉 경제적 약소국으로서 정체성에 위기감을 느끼는 제3세계 국민들의 여러 사건들을 보도사진처럼 제작하고 있는데, 이번 전시에서 소개되는 <Mexico City>(2007)는 작가가 멕시코 시티에 머물면서 찍은 9점의 사진들 중 7점으로, 멕시코 시티 외곽의 서민 거주지와 자연 풍경을 담아내고 있다. 이 작품을 통해 작가는 국가의 독재적인 권력과 국민들간의 문제, 매스미디어에 의한 제한된 정보와 왜곡된 현실의 생산이라는 문제에 주목한다.

Bruno Serralongue is an artist who employs the techniques of photojournalism to expose the conditions of contemporary humanity. Instead of focusing on obvious, newsworthy spectacles as a typical journalist might his camera looks around the corner at lesser acknowledged phenomena. Recently, Serralongue’s photographs have looked at how people living in the developing world have been impacted by processes of globalization. In so doing he has fulfilled the role of the news photographer but by focusing on neglected areas and aspects he broadens the discussion revealing distortions and gaps in our perception of reality. For Tomorrow Serralongue presents his new work: Mexico City(2007). This piece is a collection of 9 photographs that the artist took while he was living in the Mexican capital (only 7 are shown in this exhibition). Depicting the intersection of human settlement and the natural landscape these photographs show Mexico City’s ever sprawling expanse in a manner that causes viewers to wonder/worry what the limit might be while shedding light on the everyday needs and conditions of human community.

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시마부쿠 Shimabuku

Sunrise at Mt. Artsonje
2007
Super 8mm film trangerred to DVD, 3 min 30 sec
Collaboration with SAMUSO

시마부쿠는 이방인에게는 낯설지만 해당 지역 사람들에게는 너무나 익숙한 요소들 또는 관습들을 다룬 작업을 진행한다. 이번 Tomorrow 전에서 선보이는 <Sunrise at Mt. Artsonje> (2007)는 2007년 봄 작가가 서울을 방문하는 동안 기획한 새로운 프로젝트이다. 방문기간 동안 그는 아트선재센터에서 사용되지 않은 채 잊혀진 공간인 옥상을 발견했고, 미술관 옥상이 지닌 다양한 가능성에 흥미를 느꼈다. 이와 같은 경험에 고무된 시마부쿠는 미술관을 산처럼 여기는 새로운 작업을 구상했다. 미술관 옥상을 산의 정상으로 가정하고, 작가는 산 정상에서 여명을 함께 바라보기 위해 등반을 감행할 전시 스탭들을 초대하여 기대치 못한 신선한 경험을 선사했다. 작가는 미술 전시의 오프닝 리셉션이 일반적으로 오후에 행해진다는 점에 착안하여, 일상생활에서 비교적 자유로운 시간인 새벽 5시 30분에 모이길 요청한 것이다. 또한 어떻게 아시아인들이 만월동안 월병을 먹게 되었는지와 같은 오래된 관습에 내재된 단순 미학을 반영하여, 하루 중 가장 빛나는 시간대에 미술관 옥상에서 아침식사로 갈치요리를 해줄 전문 요리사를 초대했다. 알려지지 않은 존재와 소통하려 노력하는 작가는 한국인이 즐겨먹는 갈치의 반짝이는 비늘을 일광 반사 신호기의 거울로 삼아 미지의 존재들과의 소통을 시도한다. 이처럼 미학적인 전통과 소통 지향적인 탐구를 통해, 시마부쿠는 새로운 언어와 관습을 창조하는 방법을 찾길 희망한다. 슈퍼 8mm 필름으로 촬영된 이 퍼포먼스는 전시기간 내내 전시장에서 상영된다.

In his travels Shimabuku collects site-specific facts or customs that are unfamiliar to the outsider, but too familiar to local people to be noticed. His work for the Tomorrow exhibition, Sunrise at Mt. Artsonje, is a new project which was planned during his research trip in spring, 2007. At that time, he discovered the unused and forgotten roof space of Artsonje Center, and was intrigued by the different perspective he gained from that vantage point. Inspired by this experience, he started to think about treating the museum as a mountain, with its roof as its peak. The artist invited exhibition staff to “climb” to this peak to watch the sunrise together, an unexpected and a fresh experience for the people who work at the museum. As typical opening receptions or art events are held in the afternoon or evening, the artist thought it might valuable to try in the morning, a moment of free time and free space in our daily lives. So he asked people to gather at 5:30am. Reflecting on the simple aesthetics of old customs, such as how Asian people eat round cakes during a full moon, a special chef was invited to join the morning hike and cook shiny cutlass fish on the museum rooftop at the shiniest time of day. Then using the cutlass fish as the mirror of a heliograph the artist tried to communicate with beings unknown. Through such studies of communicative and aesthetic traditions Shimabuku hopes to find a way to create new languages and customs. Filmed on super-8mm film a recording of this performance will be played through the duration of the exhibition.

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서도호 Do-Ho Suh

Karma
2007
Resin, 120 x 10 x 30 cm
Installation view at Artsonje Center

서도호는 모든 개인은 과거에 존재했던 수많은 삶과 연관되어있다는 동양 사상을 바탕으로 <Cause and Effect>(2007)를 소개한 바 있다. 이번 Tomorrow 전에서는 전작에 등장하는 자잘한 인간 군상들이 조각처럼 놓이는 <Karma> (2007)를 새롭게 선보인다. 동양의 전통적 개념인 ‘카르마(Karma)’를 주제로 한 이 작품에서 작가는 과거로부터 현재, 그리고 미래에까지 연결되는 일련의 인과응보를 시각화한다. 즉 서로 연결된 시간과 사람들을 보여줌으로써 미래가 원인과 결과의 산물임을 제시하는 것이다. 서로 무등을 탄 자세로 맞물려있는 자잘한 인간 군상들의 조각을 통해 작가는 동양의 카르마 사상에 입각하여, 과거나 현재의 어떤 이유로 인해 현재나 미래에 도래할 결과라는 삶의 인과관계를 시각적으로 구현한다.

Cause and Effect(2007) places the individual within an intricate web of destiny and fate. It comes from a belief that every individual is spawn from the many previous lives he/she has been in existence. For the Tomorrow exhibition, he shows Karma(2007). It is a sculptured group of tiny people. With “Karma”, traditional eastern spirit, as the central theme, the artist visualizes life as a set of linear cause and effect consequences from the past and to the present and future. By presenting the intertwined state of time and people, Suh suggests that the future is a result of cause and effect.

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타다수 타카미네 Tadasu Takamine

Baby, Insa-dong
2004
Photo, text, video, sound
Installation view at Kumho Museum of Art

타다수 타카미네는 사람들의 사회역사적, 문화적, 언어적, 그리고 세속적 본능상의 특징들이 사회정치적 구조, 규범, 그리고 현상과 만나 작용하는 방식에 대해 관심을 갖고 있다. 또한 그는 동시에 여러 매체를 사용하는 멀티미디어 예술가이다. 시각적 이미지를 보여주는 비주얼 시처럼 드러나는 타카미네의 작업은 비디오와 퍼포먼스 등의 멀티 미디어 환경 속에서 작동한다. 이번 전시에서 그는 <Baby, Insa-dong> (2004)을 선보인다. 이 작품은 2003년 아트선재 레지던스 프로그램 중 여자친구이자 현재의 부인인 김계월이 임신을 하면서 결혼을 하게 되는 일련의 과정을 서술적으로 보여준 작품이다. 1인칭 시점으로 매우 내밀한 개인적인 이야기를 작업 안에 담음으로써 사람과 사람사이, 나아가 문화와 문화 간의 소통에 대한 갈망과 새로운 인생에 대한 기대를 보여주고 있다. 일본인인 작가와 한국인이지만 일본에서 태어난 그의 아내가 결합하는 과정을 통해 공동체와 국가 간의 의사소통의 어려움을 직접 겪으면서, 이들 부부는 결혼식을 문화적 제 3시대의 퍼포먼스이자 이벤트로 새롭게 변형시킨다. 하객을 맞는 신랑 신부를 표현한 스페인풍 그림, 인도네시아 음악 밴드, 미국 장관, 캐나다인 사회자, 드랙퀸 나자의 댄스 등이 어우러져 이들의 결혼식은 문화적인 제 3의 공간으로 변모한다. 그 결과물인 본 작품은 사진, 글, 비디오 등의 다양한 매체로 구성된 통합적 작업으로 설치되었다.

Tadasu Takamine is a multi-media artist concerned with basic questions about how the transient peculiarities of people’s social-historical, cultural, linguistic, and carnal nature encounter and react to socio-political structures, norms and phenomena. Emerging as potent pieces of visual poetry Takamine’s works take the form of videos, performances and multi-media environments. For Tomorrow he will present his work Baby Insa-dong(2004) a narrative installation that tells the transformative tale of Takamine’s marriage to Kwiweol Kim, his girlfriend of 7 years that he happened to have gotten pregnant while doing a residency at Artsonje in late 2003. This first person point of view, very personal story is told in a manner infused with anticipation towards new life and longing for inter-personal/inter-cultural communication. The artist, ethnic Japanese and Kim, an ethnic Korean born but raised in Japan, their marriage brought together disparate and often conflicting communities and thus could not easily take on any given traditional form. Therefore the expectant couple decided to transform their wedding into a cultural third-space with Spanish inspired paintings of bride and groom greeting guests at the entrance of the wedding hall (an art center for the physically disabled), an Indonesian procession band, an American minister, a Canadian MC, and Nadja the drag-queen genius who danced for the newlywed couple. The resulting installation is a composition of photograph, text, video and sound.

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리크릿 티라바니자 Rikrit Tiravanija

리크릿 티라바니자는 전시장이라는 공적인 공간을 사적인 공간으로 뒤바꿔버리는 설치작업을 통해 예술과 일상의 경계, 공공의 공간과 개인 공간 사이의 경계를 허물어 왔다. 2005년 휴고 보스상 수상 기념전 작업인 <Untitled 2005(쇠사슬과 부러진 바퀴 사이의 공기)>(2005)의 연장선 상에 있는 이번 작업 <Untitled 2007>(2007)은 미술관 내에 영화 채널 방송국을 설치하는 작업이다. 미술관 안에는 발신국 역할을 하는 모니터와 수신국 역할을 하는 모니터들이 설치된다. 그리고 안테나와 TV송수신기의 도움으로 주파수를 통해 연결된다. 이러한 기본적인 방송국 구조를 가지고 작가는 Tomorrow 전의 참여 작가들이 선택한 영화들을 미술관 곳곳에 설치된 모니터에 전파 상영한다. 영화전용 케이블을 통해서 24시간 영화 감상이 가능하고, MP3를 이용하여 개인 취향의 음악을 다운받아 감상할 수 있는 개인화되고 전문화된 현대사회에서, 작가는 예술가라는 작은 커뮤니티가 제공하는 유토피아적 개인 영화 채널을 만들어본다. 그러나, 방송법에 의해 철저하게 주파수가 관리되고 있는 현실에서 티라바니자는 영화관람이라는 개인적 취미생활 마저 공영방송이나 케이블이 제공하는 프로그램에 의해 제한되어있는 현대사회를 다시금 되돌아보게 하며, 작가 간의 소통의 창구를 제공하도록 자신만의 방송국을 만든 것이다.

Tiravanija has continually transformed public space into a private one through his installation works. Through these works, he blurs the demarcation between art and everyday life, public and private space. For the exhibition of Tomorrow, Untitled 2007(2007) is a project of private film channel, a work produced in line with Untitled 2005(the air between the chain-link fence and the broken bicycle wheel)(2005) presented for the commemoration of the Hugo Boss Prize. In the museum, there are two monitors as sending station and several televisions as receiving station spread over the different levels of museum. These two stations are connected through frequencies, with the help of antennae and DHF TV Transmitter. Through this basic broadcasting structure Tiravanija presents a group of films that have been selected by participating artists of Tomorrow. Through his work, Tiravanija shows how even watching movies, a personal passtime, is limited to what is provided by television networks and cable stations, which in turn are controlled by strict broadcast laws. He tries to overthrow this by providing artists with their own broadcasting stations.

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임자춘 Lim Tzay-Chuen

윤주헌씨는 아트선재센터에서 52일 동안 시간을 낭비하기 위하여, 작가에게 3백 만원에 고용되었습니다.
Yoon Joo-Hun was hired for 3,000,000 won by the artist to waste time at the Artsonje Center for 52 days.

임자춘은 제51회 베니스 비엔날레 싱가포르 파빌리온, 2004년 시드니 비엔날레 및 2002년 광주비엔날레와 2001년 폴리폴리스에서 다양한 프로젝트들을 완성하였다. <Waste Time>(2007)에서 작가는 스스로를 불성실한 세일즈맨으로 설정한다. 임자춘에게 이상적인 직업환경은 “Mr. Wolf (Pulp Fiction)”와 “Hal(2001: A Space Odyssey)”의 교차지점이 아닌가 추측해 본다.

Lim has completed projects for the Singapore Pavilion at the 51st Venice Biennale, 2004 Biennale of Sydney, 2002 Gwangju Biennale and Polypolis, 2001. For this exhibition, he presents the new project Waste Time(2007). Refers to himself as a lousy salesman. For Lim, the ideal job situation would be a cross between Mr. Wolf (Pulp Fiction) and Hal (2001: A Space Odyssey).

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양혜규 Haegue Yang

양혜규는 포스트 개념미술 세대 작가로서, 일상적 삶과 사회구조 속에 내재해 있는 보이지 않는 권력관계를 고찰하는 작업을 지속해왔다. 최근 설치작업 <내일을 위한 휴일(Holiday for Tomorrow)>(2007)에 포함된 비디오 에세이 <휴일 이야기(Holiday Story)> 는 휴일의 본질과 실제에 대해 조용하지만 진지한 어조로 논한다. 끊임없는 생산 충동과 욕구 속에서 휴일은 사회적으로 합의된 일시적인 노동의 정지이며, 오직 더 나은 내일의 생산능률의 재생을 위해 정당화된다. 작가는 한국의 전통적인 법정 휴일기간인 추석 내내 텅 빈 서울의 거리를 걸으며 도시의 ‘휴지기’ 를 기록했다. 여성 내레이션은 노동, 사랑, 공간, 그리고 삶에서의 휴식의 필요성에 대해 이야기한다. 또한 본 설치작업에는 <그래-알아-병풍 Yes-I know-Screen>, <블라인드과 Blind Department>, 그리고 <조개 조각(Shell Sculpture)> <조개 조각 Shell Sculpture>포함되는데, <그래-알아-병풍> <그래-알아-병풍>과 <블라인드과> <블라인드과>는 시각적 정지를 유도하는 일련의 칸막이라 할 수 있다. 한편 <조개조각> <조개 조각>은 조개라는 재료와 현자의 돌(Philosopher’s Stone)이라는 형태의 부조리한 결합이다. 조개는 해변에서 보낸 휴가를 연상시키지만 사실 음식점의 도심 일상적 폐기물에 불과한것이다. 작가는 기본적인 휴식에 대한 우리들의 기대를 무너뜨리는 휴일의 배반적인 양상을 인지한다. 이는 노동, 비도구적인 시각적 장애물로서의 예술, 그리고 실존적 존재로서의 예술가에 대한 작가의 정신적인 고심에 응수하는 것으로서 예술의 역할에 대한 작가의 복합적인 사고를 드러낸다. 본 작업에서 각 요소들의 시각적 구획은 보는 이의 시선을 분할시켜 강요된 사회 정치적 노동-휴식에 반하는 은유적 ‘일시 정지’를 역설하며 또 다른 형태의 ‘개입, 참여’를 제시한다.

As a generation of the post-conceptual artists, she is interested in contemplating the invisible power relationship in structure of society and in everyday life. Her new installation Holiday for Tomorrow(2007) includes a video essay, Holiday Story, in which the nature and fact of holiday is quietly yet sincerely commented. Holiday is socially agreed temporary suspension of labour from restless production urge, which only legitimated itself for a purpose of regeneration for the better future production efficiency. The artist spent all of the Chuseok days (Korean traditional bank holidays) walking the streets of Seoul, recording the “resting phase” of the city, in which a female voice talks about labour, love, space, necessity for rest in life. This installation also includes Yes-I-Know- Screen and Blind Department, which functions as an obstacle of sight that rest of sight is suggested, Shell Sculpture is a pretty absurd combination of material(shell) and form(Philosopher’s Stone). Shell remind us of relaxing days at the seaside, yet in fact is also mostly nothing but daily urban waste of seafood restaurants. Yang’s complex thought on the role of art, cognizing the betraying aspect of holiday in life, deceiving our expectation of fundamental rest responds to her mental struggle about labour, art as non-instrumental visual obstacle as well as artist as an existential being. The visual partition (filter) of each elements enforces a metaphorical “pause” against forced socio-political labour-rest and proposes another form of “engagement.”

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슈 젠 Xu Zhen

Untitled
2007
Gym machine, remote control
Installation view at Kumho Museum of Art

주로 사회, 정치적인 문제를 다루고 있는 슈 젠의 작업 성향은 비슷한 세대의 다른 중국 작가들과는 확연히 구별되는 것으로, 중국의 현대 미술이 전례없이 큰 관심을 끌고 있는 현시점에서 큰 호소력을 지닌다. 이번 전시를 위해 슈 젠은 헬스기구를 변형하여 극도로 무감각하고 비실용적인 설치작품 <Untitled> (2007)를 선보인다. 리모컨 장치로 반복적인 동작을 유도하는 헬스기구들을 통해서, 그는 통제와 통제당함, 게임과 운동간의 관계를 논한다. 기계에 의해 반복적으로 동작하는 관람자는 현대사회에서 사회제도, 미디어, 타인에 의해 자발성을 상실한 채, 쳇바퀴 돌듯이 일상을 반복하는 현대인의 단상을 상징한다. 이를 통해 작가는 기존의 사회구조를 비판하며, 거대한 사회 속에서 점점 몰개성화되고 상실되어가는 개인의 정체성에 대한 경각심을 일깨운다.

Xu Zhen’s works, dealing with social and political problems, are differentiated from the works of other contemporary Chinese artists. At a time when Chinese modern art is receiving an unprecedented amount of interest, his paradoxical works have great appeal to the audience. At this exhibition, Xu Zhen presents works using modified workout equipment, Untitled(2007). Using workout equipment controled by remote control that lead people to do repetitive movements, Xu Zhen expresses the relationship between control and being controlled, games and exercise, and the future and the present. For this purpose, the artist proposes an extremely insensuous and impractical installation. It is an installation that represents the modern man, mindlessly repeating routines that are set out by the social structure and the media. Through this piece the artist criticizes the loss of individual identities in midst of social control. It is interesting that he chose to use familiar objects, like workout equipment, to show the role of art in society.

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